El artista

Si uno quiere saber el nivel de un artista , medir su poder , hay que ver como se desempeña en la pintura de género.

Serie Simbolista

 

“La hoguera de las vanidades “, acrylic on canvas, 97 x 130 cm.,year 2007

 

Declaración de artista. (de la serie simbolista)

El movimiento simbolista fue una reacción romántica al racionalismo del realismo y el impresionismo a finales del siglo 19, los simbolistas no se agruparon como pasó en los otros movimientos sino que es nuestra necesidad de entender las raíces de lo que se pinta ahora lo que los unió.

El simbolismo fue de alguna forma una de las grandes bifurcaciones del romanticismo , la más lírica e imaginativa que junto a las otras dos el realismo y el impresionismo más racionales y formalistas fueron los antecedentes de las vanguardias modernas y la raíz para entender el arte del siglo 20 y el de hoy.

Creo ver en las obras de esta serie, no la ironía y o la cita postmoderna, sino una intención profundamente simbolista y moderna, la intención de narrar y describir mundos interiores , fantásticos y místicos como si nunca antes se hubiera hecho, como una gran novedad que necesita ser revelada.

Mi intención en estas pinturas es no perder esa voluntad del pintor moderno, la intención romántica de crear un mundo totalmente nuevo e individual, ejercer esa extraordinaria libertad y aún así no perder la búsqueda de una belleza escondida, el hallazgo de una verdad oculta que sólo se puede intuir.

Pinturas rockeras

“Charly García”, 2010

Sobre la serie Rock and pop:

http://www.diegomanuel.com.ar/music/music1/index.html

Declaración de artista:

Al principio retraté las estrellas del rock más legendarias, como Elvis Presley o las grandes bandas de Rock como los Rollings , hasta que incluí estrellas argentinas como Charly, Andrés Calamaro, el Indio Solari y Federico Moura. Cada uno de estos personajes tiene algo nostálgico, son artistas de los ’70 y ’80, de cuando estaba empezando el rock en la Argentina y que significan algo para mí, son los que a mí me gustan, los que escucho, aunque todavía faltan muchos. He escuchado su música a determinada edad y tengo algo emocional con estos músicos, no sólo que me pueda gustar o no su obra, sino algo que tiene que ver con mi época de juventud, las primeras salidas nocturnas, las fiestas y todo lo que se escuchaba, por eso lo de rock y pop. Yo empiezo por esa memoria interior y después busco material, veo cual es la postura que, por ejemplo, tiene Charly en las entrevistas o en el escenario. Los bocetos llevan muchos días, hasta que encontrás algo, un retrato me puede llevar un mes, hasta que llego a lo que me interesa y después lo paso a la tela, y hay que tratar de reproducir la fuerza del boceto en una obra más grande.

También está el color, en estas pinturas utilicé un color más quebrado, no tan puro. Está quebrado con grises, porque yo estoy buscando la luz de la noche, la luz de cuando uno sale a un boliche y hay como un claro oscuro de sombras grises. Así fue la búsqueda de la paleta, que tiene que ver con el tema.

Estoy buscando imágenes que no son de ahora, sino de cuando tenía 20 años, luego me conecto sensiblemente con ellas, creo que para hacer una obra genuina lo más importante es engancharte emocionalmente, porque sino el trabajo es frío, esa parte tiene que estar siempre, en cualquier obra, tiene que haber una historia tuya, algo que es parecido a lo que hace el músico cuando escribe una canción.

Exposiciones de esta serie:

Reportaje en el Diario Diagonales de La Plata 10/8/2010

Reportaje en el diario Diagonales de La Plata, 18 febrero de 2011

Reportaje en el diario Diagonales de La Plata, 18 febrero de 2011.

Sobre la muestra de pinturas en el Museo Municipal de Arte de La Plata, que se inauguró el mismo día.

Con su nueva muestra Gente, el artista Diego Manuel apuesta a obras realistas

Fue contra la corriente de sus propias inclinaciones para no repetirse, utilizando cosas que no le son “fáciles”. Así encaró su nueva exposición Diego Manuel, que desde hoy a las 20 mostrará sus pinturas en tres salas del MUMART (7 y 49).

Gente es el título que eligió el artista platense, justamente con la idea de abarcar “muchas cosas”, para que el espectador “encuentre las distintas intenciones que tienen las obras, que son escenas de reuniones, de fiestas, de comidas en un restaurant. Esas distintas miradas y situaciones tienen algo de narrativo, de como se comportan las personas, por eso decidí utilizar la palabra gente a propósito, porque no quería indicar de qué se iba a tratar, sino que quería que el público encuentre lo que yo quiero decir o que complete la obra”.

Son 36 los cuadros que conforman esta exhibición y 10 los años que Diego Manuel lleva preparando estas piezas: “hace rato que vengo trabajando en esto pero en los últimos dos años hice más obras porque encontré el estilo que yo quería plasmar para decir esto. Es una serie que vengo haciendo desde hace mucho, que deriva de otra serie que se llama Milongas. De esas escenas que estaban atrás del baile, escenas que mostraban a gente comiendo y charlando, las puse hacia delante, en primer plano y salieron estas nuevas pinturas”.

–¿Cuál diría que es ese estilo que alcanzó con este trabajo?

–Yo tengo otras series con otros estilos y ahora encontré el estilo que me parece más acorde, más interesante para decir mejor lo que quiero decir. Es un estilo realista pero con cierta distorsión elegante, cierto impresionismo, me pareció adecuado para esta oportunidad, que haya cierta ironía, un dibujo con expresividad humorística, con la deformación de los gestos, de las personas. Fue todo un desarrollo, pero finalmente lo pude plasmar en esta serie.

–Otra de las cosas importantes en su obra es el color…

–Sí, siempre trato de darle color a las obras para darle cierta cosa narrativa. Los colores dicen algo, le dan cierta emoción a lo que se está viendo, me van diciendo cosas: yo contrasto una risa contenida y cara pálida, o una risa fuerte, los colores tienen que ver con esa narración. Y yo desde siempre tengo tendencia al color, mi paleta es de mucho color y a veces, a propósito, me impongo pintar en blanco y negro para cortar. Lo mismo me ocurrió con la serie, que es realista, aquí traté de cortarme con esa facilidad que tengo de lo imaginativo, y a veces hago cuadros monocromáticos para que se vean otras cosas. Estoy tratando de no usar cosas que me son fáciles, estoy yendo contra la corriente de mis inclinaciones para no repetirme.

Temprano. Diego Manuel se volcó a los estudios del color y la forma cuando a los 7 años ingresó a una escuela de arte para niños en la ciudad. Continuó formándose en el Bachillerato de Bellas Artes y en 1996 se recibió de Licenciado en Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP.

En 1988 participó por primera vez en una exposición (en el Salón Trienal Provincia de Buenos Aires) y en 1993 realizó su primera muestra individual en la Fundación Centro de Artes Visuales de nuestra ciudad.

–Tiene su página de Internet desde 1999, ¿lo considera un espacio fundamental para difundir sus trabajos?

–La página es un poco mi taller abierto. Todos los que ingresan pueden ver el proceso creativo, las series están abiertas, estoy constantemente subiendo cuadros, es una especie de bitácora de mi trabajo, es como ver mi estudio. Yo lo utilizo para organizarmey también para que vea el proceso la gente. Considero que tiene su costado riesgoso, porque lo ideal sería poner las mejores obras, pero hace mucho que trabo así, porque me interesa el feedback con la gente, que me dice cual le gusta, comentan cosas y eso me sirve para implementarlo, porque yo hago la obra para ver como rebota en la gente. Todo ese intercambio está bueno y con Internet lo tenés continuamente. Eso pasa ahora, antes uno tenía que hacer una muestra para saber qué repercusión iba a tener y ahora lo tenés accesible y en todo el mundo.

Su muestra Gente ya estuvo colgada en la Alianza francesa de Buenos Aires, pero fue una versión “reducida”, que contenía sólo 18 cuadros. En esta oportunidad, serán 36 las pinturas que Diego Manuel colgará en las tres Salas del MUMART, y que se podrán visitar desde hoy hasta el 6 de marzo, de lunes a sábados de 9 a 21 y los domingos de 14 a 21.

El buen coleccionista

Si un artista es un productor constante de pinturas y objetos de arte, se puede decir que el coleccionista tiene la misma constancia en adquirir arte.

El buen artista va moldeándose poco a poco hacia obtener la maestría, el buen coleccionista también necesariamente va formándose y transformándose en un experto de su colección, de cada obra y de lo que expresa el conjunto de sus obras. Además de la información histórica de los autores y sus obras, la “convivencia” con las obras, le dará una información única que será inspiración para nuevas adquisiciones, hacia la perfección del grupo de obras elegidas, con un sentido íntimo del propio gusto, pero también consciente o inconscientemente con un mensaje artístico para dar, que es el aporte del coleccionista hacia la evolución o por lo menos el constante cambio que manifiesta el arte.

Como en el artista, en el coleccionista va creciendo la conciencia de la importancia de la conservación de la obra más allá de las circunstancias de la vida y de la importancia de que la obra sea admirada, vista, estudiada por cada vez más gente. En esta cuestión el coleccionista es un colaborador del artista para que su obra pueda transcurrir el tiempo y pueda ser valorada y revalorada por las nuevas generaciones. Los museos modernos en su mayoría están formados por la obra recopilada por los grandes coleccionistas de la historia, y hay colecciones que por su importancia y por supuesto por la prevención del coleccionista, tienen su propio edificio y museo.

Las grandes colecciones y coleccionistas tienen su nombre en la historia del arte y esto no es una exageración, la elección final de una colección, de una exposición es determinante para la suba o baja de los artistas, estilos y formas de arte. Ese antiguo sujeto del arte, el mecenas, el coleccionista, hoy también el curador de una muestra, una galería , un museo , una bienal, se ha transformado en el gran elector y también en el gran representante del público, esa elección e influencia no solo llega al público y a las colecciones, se puede decir que es una influencia para el arte en general, tanto o más que los propios artistas, porque también directa o indirectamente influirá en la nueva obra de los artistas, en los nuevos artistas y en los que están por venir.

¿Cómo nace el coleccionista? Es posible que con la adquisición de la segunda obra. Quizás cuando se empieza ver y vivir el arte, poder ver como esas dos obras “dialogan” dentro de nuestras sensaciones, notar como sus parecidos y diferencias se potencian y brillan más, cómo cambia la habitación donde se encuentran, sólo el arte puede hacer que un interior de arquitectura sencilla y aburrida se convierta en el lugar más maravilloso, la prueba más magnífica de esto podría decirse que es la capilla Sixtina.

A menudo se piensa que un coleccionista debe ser rico, en realidad se puede ser uno con un presupuesto reducido, y con buen ojo adquirir pequeños tesoros de nuevos artistas, yendo a las exposiciones de los artistas de la ciudad y tratar personalmente con ellos, también buscar en las exposiciones online, hoy día casi todos los artistas tienen webs o blogs, contactarse directamente con ellos puede reducir los costos de un compra.

Vivir la verdadera experiencia del arte sólo es posible con una obra original en frente, poder verla todos los días, los cambios que ella provoca en uno , la felicidad de ver como nuestros sentidos se afinan y son cada vez más sutiles, como crece nuestra capacidad de comprensión, poder ver los pequeños detalles, el color , textura, los cambios que le producen las luces de los distintos momentos del día, por momentos sorprenderse como una escena figurativa bien lograda parece cobrar vida, o las formas y colores de un cuadro abstracto vibran de forma ideal y perfecta transportándonos a un posible universo de belleza que sólo se puede imaginar.

El arte ha venido al mundo con la utópica tarea de tratar de equilibrarlo y hacer que sea más fácil vivir en el.

Ojos en las pinturas

REMBRANT, Harmensz van Rijn.
Retrato de la hermana Lisbeth van Rijn, 1633
Museo nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
La primera vez que recuerdo sentirme emocionado viendo lo que realmente se podía hacer dibujando ojos en el arte fue al ver un dibujo en sepia hecho por Rubens, en este boceto de un retrato de una joven el genial pintor le había agregado algo más a la mirada de la muchacha, una textura especial , vidriosa, que le sumaba una profunda emoción y verdad al retrato, algo que sólo un gran maestro maneja en su justo punto, con resultados siempre frescos y novedosos a pesar de los años que han pasado de realizada la obra.

También recuerdo en mis primeros años de estudiante de Bellas Artes algo asi como un aturdimiento causado al ver por primera vez un retrato que se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, es la pintura de una mujer joven, con el cuerpo y cabeza en tres cuarto perfil, que solamente “mueve” sus ojos para vernos, aparentemente es lo único que tiene movimiento , eso  le da una gran potencia a la mirada del retrato. Lo maravilloso después es lo que  hace Rembrandt con uno de los ojos del retrato, ubica el ojo izquierdo justo en el centro superior del cuadro, que desde ese lugar a la vez preponderante y estático irradia una fuerza extraña, que parece iluminar como una linterna el rostro de la mujer. Rembrandt juega una y otra vez con lo estático y lo dinámico. La mirada del retrato fijamente hacia el espectador plantea la paradoja del observador observado y una suerte de espejo entre la realidad, la vida, y ese aparentemente inmóvil mundo del plano poético, que día a día pide nueva vida al público.
Quizás en muchos de mis cuadros de la serie surrealista se ha perdido el resto del retrato y sólo los ojos han quedado en la obra, testimonio de los ojos del pintor revelados en la tela que ahora dentro de ella miran hacia afuera.

Las tres partes

(El Hombre de Vitruvio , dibujo de Leonardo da Vinci)

Es una posibilidad de composición dividir la obra en tres partes: una mayor, una mediana y una menor, siguiendo una lógica de proporción de crecimiento, como pasa en algunos casos en la naturaleza, por ejemplo en la espiral del caparazón del caracol o en las nervaduras de hojas de los árboles.

Entonces  el plano en la pintura se puede ordenar dividiéndolo en tres porciones, como también dentro de la perspectiva es interesante delimitar tres lugares principales en el espacio o se puede ordenar los colores y valores en tríadas: un color dominante un segundo asociado y un tercero como acento.

En la antigüedad y después perfeccionado por los renacentistas se uso el número algebraico Phi como la llave de esta proporción, una perfecta combinación de las partes que se repite tanto en la naturaleza como en el Arte, que se llamó  número áureo o número divino.

En el proceso artístico lleno de irracionalidad y en trance inspirativo es difícil que se pueda introducir esta cifra o proporción perfecta, en cada curva, ángulo y forma, pero sí es posible usar el recurso sencillo de dividir en tres partes proporcionadas los diferentes componentes y así ordenar el espacio para luego contradecirlo.

Entrevista para un trabajo de la Universidad

Tres semanas atrás me llama una alumna de la Facultad de Bellas Artes, solicita una entrevista para un trabajo de la facu, en medio de una mudanza le pido por favor si la entrevista es por email, este es el resultado:

1-Ubicación temporal, fecha de nacimiento, estudios cursados/ autodidacta.
Influencias recibidas: docentes, movimientos, artistas.

Fecha de nacimiento: 23 de Diciembre de 1969.
Primero cursé el Bachillerato de Bellas artes de la UNLP, después la Facultad, soy Licenciado en Artes Plásticas, Universidad Nacional de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, egresado en el año 1996. Y concurrí al taller del escultor Aurelio Macchi, Capital Federal (1993/94)
En la Facultad me ha ayudado mucho Rubén Elósegui (escultura) y en menor medida porque no era mi orientación principal, Aníbal Carreño (pintura) . Después aprendí muchos conceptos artísticos de Aurelio Macchi, (escultor).
Cada cosa que uno aprende debe ganárselo, de alguna forma es doloroso, porque las ideas deben hacerse carne en nuestra forma de ver, que en gran porcentaje debe ser intuitiva, cada línea , cada trazo, necesita una velocidad de ejecución que no podría pensarse con ninguna lógica, en ese sentido el arte se emparienta a un deporte, es necesario aprender una “habilidad” importante de ejecución.
Después movimientos y artistas, todos, si nombro algunos me olvidaría de la mayoría, los clásicos , los de vanguardias, y hoy en día conozco y me influyen muchos artistas cuya obra exploro por Internet, muy conocidos por ser de países centrales , solamente conocidos en sus países o emergentes .

2-Técnicas y géneros elegidos. Cambios o permanencia en ellos.

Siempre me ha gustado las técnicas al agua, témpera, acrílico, temple.
Géneros, los tradicionales, paisaje, naturaleza muerta, retrato, desnudo.

3-Motivos de la elección de las técnicas y tema, ¿existe una variación en las temáticas a medida que se afianzo como artista?

Las técnicas al agua son más rápidas, y van con mi carácter impaciente, creo que es más fácil empezar pintando paisajes mientras nos acercamos poco a poco a la figura humana o a la figura.

4-¿Trabaja solo o en grupo?¿Cuales son las ventajas de uno y otro comportamiento?

Trabajo solo, me gustaría trabajar en grupo, pero no soy muy dócil, tendría que ser yo el director.
Aunque, me parece interesante hacer exposiciones grupales y que los artistas nos apoyemos mutuamente.

5-Realizar de acuerdo a la producción un análisis breve de la misma teniendo en cuenta el proceso de creación, producción, las técnicas elegidas, materiales empleados y las temáticas desarrolladas.

Eso se lo dejo al espectador, de todas formas pueden leer algunos comentarios míos sobre mi obra en mi blog: http://quesabesdearte.blogspot.com/

6-En base a la trayectoria del artista, tener en cuenta exposiciones realizadas, en medios convencionales – No convencionales, como se da el acceso al circuito, concursos, premios.

Quizás tendríamos que ponernos de acuerdo que son medios no convencionales y convencionales, por ejemplo aquí en La Plata no hay una galería de Arte privada de trayectoria, las galerías siempre fueron emprendimientos efímeros que tarde o temprano fracasaron, entonces lo no convencional en nuestra ciudad sería una galería de Arte, lo que en otra ciudad es lo más convencional y establecido.

7-Para la difusión y venta de su obra, ¿lo hace en forma personal, o, a través de galeristas que lo conecten con el mercado?.

La mayoría de las veces vendo directamente, además tengo un representante en una especie de villa artística en Carmel-by-the-Sea , en la costa de California.

8-¿Utiliza la venta de su obra como medio de sustento?

Sí, aunque tiene sus vaivenes, como todo.

9-¿Qué obras a vendido y por que razones cree que fueron compradas?

He vendido obras de casi todas las series que voy pintando, ¿por qué se vendieron? , la respuesta puede ser muy complicada pero la voy a hacer simple, la obra les gustó y tuvieron la necesidad de poseerla, de verla todos los días, de vivir un poco cada día la experiencia del Arte, que sólo se puede al 100 % con una pieza original en frente.

10-¿Qué difusión tiene su obra?¿La ha publicitado a través de los medios masivos?

Esta muy difundida en Internet

11-¿Cree que el acceso al circuito es importante?¿Por qué?

¿A que llaman circuito? , creo que en nuestro país no hay tal circuito, quizás hay lugares que si uno los ocupa es más fácil ser conocido o aceptado, pero en lo que se refiere a lo que es un mercado de arte esta todo en pañales, y eso hace casi imposible vivir de esto. Sin un coleccionismo más aceptado y practicado por la clase media y alta es imposible, la mayoría de los artistas viven de la docencia, de su taller, de trabajos paralelos, de la venta a coleccionistas del exterior donde si hay mercados, de la venta en plazas de San Telmo o La Boca
Todas las galerías nuevas que surgieron en San Telmo, Palermo, etc, o son alquila paredes o tienen buenas intenciones pero dan muy poco apoyo a los artistas que supuestamente son de la galería.
Igualmente en el último tiempo se ve más movimiento de ventas locales, la gente poco a poco se está animando a poner algo distinto en las paredes para variar del tradicional tapiz alpino, o el póster de torero del viaje a España, además un cuadro de un artista local se puede conseguir por 500 $, un valor similar al de una reproducción enmarcada.

12-En cuanto al publico,¿Qué reacción tiene frente a su obra?¿Lo ha observado?

Es muy gratificante, en general la gente ve y dice siempre cosas acertadas, detalles que me sirven mucho para comprender más que hago en las pinturas.

13-¿Piensa que el comportamiento del publico esta estrechamente relacionado: con la venta, la interacción o conectividad del mismo, la asistencia a las exposiciones, lo lúdico, el detenerse ante su obra?

No sé el porqué del éxito o del fracaso, es un gran misterio, nadie sabe realmente por que se vende una obra, sólo sé que a largo plazo la obra se sostendrá por su propia calidad, la publicidad o las personas influyentes que inflan una carrera tienen fecha de vencimiento, las obras seguirán y si son buenas tendrán con que defenderse, y sobrevivirán.

14-¿Ha explorado otros campos?

La escultura, y ahora estoy escribiendo algo , apuntes teóricos, comentarios sobre mi obra, etc, lo pueden leer en mi blog quesabesdearte.blogspot.com.

15-¿Le gustan las obras por encargo?,¿con una temática determinada?

En mi caso los encargos no son usuales, la gente elige la obra ya pintada, de todas formas si es un encargo prefiero un tema que me dé el máximo de libertad posible.

16-¿Cómo se participa de un concurso?,¿Cómo se enteran del mismo?, ¿en qué consiste en los premios?.¿Cuáles son las formas de inserción en el mercado del arte?

Los concursos son la mejor forma de inserción en el arte, y si los jurados no te quieren mejor que tu obra de veras sea buena.

17-¿Qué importancia cree que tiene el color en la obra?

Un 50%

18-¿Ve al arte como representación de la realidad?¿Cuál es su propuesta?

Quizás de la no-realidad, o de la realidad interior.

19-La especialidad, la forma, el color, la temática, los personajes.¿Cuales de estos ejes tiene mayor importancia en la organización plástica de su producción?

La temática

20-¿Que papel juega lo social en su obra?¿La afectan las crisis que se registraron en nuestra sociedad?

Me interesa que la obra sea popular, o retratar lo popular, el Arte trasciende la coyuntura, es una mirada de largo alcance, el hombre y su circunstancia, la finitud, la búsqueda de las grandes preguntas, así dicho parece algo elitista, pero son las preguntas que en algún momento todos nos hacemos o nos vamos hacer, y hasta la no pregunta o su negación , esa aparente alegría de carnaval que a veces tratamos de vestir conlleva la presencia de esa angustia existencial que desde que nacemos debemos llevar.
Hablando de nuestro país, parte de nuestras crisis está explicada por una falencia espiritual, nuestra sociedad hace mucho (quizás desde siempre) que está inmersa en una continua pelea por cosas materiales, de esa forma todo ha quedado cuantificado, y eres alguien en cuanto vendas o lo que haces produce dinero, esa es la raíz de nuestra decadencia, una sociedad que deja en el último escalón la cultura , la ciencia, no será trascendente en la historia, y merece ser olvidada.

21 -Opiniones sobre la carrera, la facultad, los medios de desarrollo, en el medio local, nacional e internacional.

De la Facultad mucho no puedo hablar, me recibí en 1996, y no he vuelto a ir, no se como están las cosas en las cátedras, creo que ustedes saben más que yo.

22- Consejos a estudiantes en el inicio de sus carreras.

-Hay que trabajar las 24 horas por día para tratar de ser un artista.
-que sean muy ambiciosos,
-que se comparen con los grandes para saber cuanto falta,
-que siempre duden de los que les dice el profesor, aunque sean amables con él , tengan en cuenta que el maestro junto con el público adepto serán las personas más a favor de este medio que conocerán
-Sean simpáticos, las primeras exposiciones se logran muchas veces por contactos de amistad.
-Lo importante es la obra, si es débil a la larga no prevalecerá, la obra tendrá que rendir examen por siempre, los grandes nombres pueden caer y los desconocidos surgir, la historia es dinámica, así que todo el esfuerzo para mejorar la obra.
-Nunca regalen obra, aunque sea muy poco algo hay que cobrar, sino nunca tendremos un mercado y además la mayoría de la gente no valora lo regalado.

Las alumnas que trabajarán con estas respuestas son: Rocío Gabachs y Magali Dotta.

La caricatura

Históricamente en el Arte el humor no ha sido del todo admitido, ha sido un condimento muy reservado donde su exceso era para lenguajes menores o “populares”, la misma palabra “caricatura” muchas veces se usa como menosprecio de un estilo de dibujo inferior.

Decir algo sobre lo retratado es de alguna forma rehacerlo, recomponer la estructura del objeto, cambiar su contexto.

Es en la modificación de la composición geométrica y cambio de las proporciones del modelo, cuando se busca remarcar situaciones, diálogos formales, gestos, que el objeto se parezca más a sí mismo.

En una mirada clásica toda trasgresión a las bellas proporciones es peligrosa aunque si buscamos con detenimiento, podemos ver caricaturas sutilmente escondidas también en las obras de los grandes maestros.

La pintura de finales del siglo 19 y principios del 20 ha tenido grandes transgresores de la belleza tradicional y cultores de un cierto exagerado humorismo y dramatismo entrecruzados, ¿podemos decir caricaturistas?. Por nombrar algunos: Toulouse Lautrec, Honoré Daumier, Oskar Kokoschka, Edvard Munch, Vincent Van Gogh, que han sido muy importantes para la generación de artistas posteriores.

Ese primer ejercicio de cuestionamiento a lo establecido es posible que haya sido la base desde donde se pudo realizar el salto de después, la libertad que da el humor en todas sus vertientes (humor tragicómico, grotesco, humor ingenuo, absurdo) puede ser usada como emulsionante para mezclar estilos, culturas e ideas tan diferentes como fue necesario en los intentos de las Vanguardias.

El humor, tiene la importante propiedad de relativizar y cuestionar  verdades inamovibles, sirve como anestesia que permite tocar los lugares más sencibles, su naturaleza nos descoloca y produce un caos que permite recomponer los pedazos y vislumbrar nuevos caminos y nuevas combinaciones.

“vaca argentina 5″, acrílico sobre tela, 44 x 30 cm.

Reuniones sociales

“Reunion social 3″, acrylic on canvas, 100 x 130 cm. 2009

La serie “Reuniones sociales” deriva de tres series pictóricas anteriores.

Tomo de la serie “Gente de la calle” los primeros dibujos y pequeños retratos expresionistas como bocetos previos para investigar sobre gestos, actitudes y síntesis de rasgos.

Los fondos de gente en mesas y bares de la serie de “ Milonga ” en las nuevas pinturas pasan a primer plano.

Por último de “ Imágenes dantescas ” y sus pinturas con multitudes atemporales rescato el concepto de retrato grupal o más bien de acción grupal de los personajes, donde cada uno actúa como engranaje de una única y abarcadora acción.

En estas escenas de banquetes los personajes están en una especie de bar o restaurante, que estén sentados refuerza gestos de rostros y manos, la gesticulación está bien marcada, casi como exagerada, subrayando así una teatralidad que busco instintivamente.

Es posible entonces que estos seres sean actores involuntarios de un juego compulsivo, que concientes o irreflexivos juegan frenéticamente para no mirar una verdad que espanta. Es posible que todos jueguen el juego social para escaparle al aburrimiento, o lo que es peor a los espacios en blanco donde es inevitable mirar el reloj y ver que todavía falta mucho para irse y el tiempo parece detenido.

Los personajes escapan del tedio hacia la amnesia que les provoca jugar los distintos juegos de la vida, viajan a lugares, asisten a fiestas, se juntan se separan, la vida hace que el tiempo corra a toda velocidad. Veloces, amnésicos, narcotizados por el aparente movimiento de una calesita tratan de olvidarse del espanto de ese momento en que despiertan y revisan nuevamente su reloj.