El peso de la palabra

octubre 29, 2017

La palabra y la imágen siempre estuvieron unidas, leemos una palabra o una frase e inmediatamente vienen imágenes a la mente, y cuando vemos una imágen lo mismo al revés, pronunciamos una palabra o varias en una frase.

Desde el comienzo  el arte visual siempre fue conceptual, ya lo decía el gran maestro Leonardo “La pintura es cosa mental”, porque la producción de discursos con  imágenes siempre fue y será una construcción de conceptos , una abstracción. El lenguaje visual como todo lenguaje es una simplificación de la realidad y nos ayuda a comprenderla.

El Arte Conceptual propiamente dicho, el que nace de la teoría dadaísta,  es posible que sea  un paso más allá en la intelectualización del arte.  Para el artista conceptual puro , la idea  escrita en un papelito sin importancia que es el objeto o la imagen  que la transporta , es la que realmente le dará forma a un objeto de arte siempre imaginario, es como si la palabra pasara por una décima de segundo a ser imágen en un objeto artístico y pronto volviera a su estuche prefecto conceptual, a ser otra vez palabra.
Como la imagen siempre es potente y compleja y no puede reducirse tan facilmente , luego con el tiempo el experimental camino del arte conceptual se tornó un transitado camino , demasiado previsible, y se fue convirtiendo algo así como un nuevo género artístico, como pueden ser el bodegón , el desnudo, o el lowbrow.

Los estilos o los movimientos modernos, se vuelven postmodernas rápidamente en nuestro universo manierista contemporáneo y con su uso recurrente se vuelven géneros artísticos.
Veo hoy como los artistas tomamos todo y lo mezclamos como si fueran nuevos géneros, como en el Almuerzo sobre la hierba  de Édouard Manet, donde habitan juntos varios géneros, el desnudo, el retrato, el paisaje, el bodegón, podemos ver en una obra de los últimos años varias vanguardias juntas y estilos clásicos todos en una ensalada llena de citas artísticas.

El arte conceptual neodadá no le ha podido ganar  a las a la pintura o escultura tradicional , pero en esa lucha, que no es otra que la lucha entre las palabras y las imágenes, las artes tradicionales se han necesariamente  reconvertido , como suele pasar cuando ganar nítidamente no es posible, los contendientes se han mezclado con sus oponentes.  Las imágenes sea fotográficas, pintadas o tridimensionales hoy en día se entienden de otra  forma, y nosotros junto con las imágenes hemos cambiado también, los artistas trabajamos con mucha menos ingenuidad con las imágenes,

Quizás porque en algún momento parecía que la pintura estaba al borde de la muerte, que los pintores estábamos destinados que convertirnos en cultores de una lengua muerta, eso hizo que rápidamente tuviéramos que dejar nuestro lugar de confort de imagineros,  y así perfilar más las ideas ,  porque la palabra hoy, es mas importante que nunca.

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La creatividad del público

julio 27, 2017

Muchas veces se piensa  que la creatividad sólo es de los artistas y sin embargo ser creativos es de todos.

Cuando elegimos a un artista , vamos  a su exposición o a su web, también elegimos una estética, una imagen. Elegimos formas y como están equilibradas, en esencia hacemos lo mismo que hace el artista, que también a cada minuto elige una estética, una imágen y formas y como las ubica en la tela.

En general en nuestro país tanto en la escuela primaria como en la secundaria se enseña a los alumnos técnicas y ejercicios de cómo ser artista pero muy poco de como ser público, muchos  ejercicios de técnicas y composición y muy poco de historia del arte y análisis de obra, de alguna forma el mensaje es que sólo se puede ser creativo desde la mirada del artista o produciendo arte y eso es una gran error , digamos un múltiple error.

De esta forma se debilita al componente más importante de la cultura y del arte, que es el lector, el público, que para un arte libre y sano es el componente fundamental, porque solo habrá un gran arte, cuando haya un publico activo, que apoya, que de alguna forma coproduce con los artistas.

Podemos ver cómo mucha gente por estas latitudes cuando siente que necesita conectarse con la pintura o la escultura quizás rememorando lejanas escenas de las clases de plástica en primaria, busca rápido un taller para él mismo producir arte, cuando lo mas sensato sería elegir un artista y contemplar su obra, como haríamos con la literatura que elegimos un buen libro o con la música que directamente la escuchamos sin intermediarios, no se nos ocurre en vez de leer a Cortázar meternos en un taller literario y escribir un cuento de Cortázar, o en vez de escuchar temas de los Beatles ir a un profesor de música para componer como Paul McCartney.

La creatividad la tenemos todos y sí, también está bueno ir a cursos que nos perfeccionen como público, cursos de historia del arte, compresión de obra , o también talleres de pintura , claro, pero lo fundamental es ir a las exposiciones, a los museos, a la web si la obra está a miles de kilómetros, ver obras , ver mucho, no hay mejor cosa para afinar el gusto visual, es igual que con lo demás, si leo mucha buena literatura después de un tiempo no voy a resistir a la mediocre, o sea que de a poco voy a cada vez elegir mejor que ver, a que exposición ir.

Ver mucho y mucho más y como haría un artista en su taller , mucha confianza en si mismo, confiar en el propio gusto, que con el tiempo se irá depurando y así podremos ver con un solo golpe de ojos qué es bueno, qué es sensacional, qué ya no nos gusta, qué nos explota la cabeza, sin necesidad de ver la firma.

El Mecenas

marzo 20, 2017

Cuando el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel pintar la bóveda de la capilla Sixtina, imagino que  lo último que hablaron fue de los honorarios y los costos, no había para esa obra mejor  mecenas  que el Papa ni otro artista en el mundo. Los dos hicieron un gran trabajo, y así se hace la historia.

El mecenas es el alter ego del artista, es alguien que esta al lado del artista, que ama la obra del artista  tanto o más que el propio artista. Y como todo amor verdadero, no adquirirá  obras para esconderlas sino por el contrario será un activo promotor de esa obra, para que sea admirada y conocida por más y más personas, porque  el arte no está en las obras sino en las  retinas, y las cabezas de la gente.

Se necesita de un mecenas, que no solo piense en ayudar económicamente al artista sino más que nada que ayude a la obra en su producción, resguardo y promoción. Además un verdadero mecenas es el que de alguna forma guía al artista, y lo ayudará a enfocarse para clarificar su mensaje y su obra.

Un artista en esencia es un investigador y un desarrollador de alta cultura. Y desarrollar la cultura lo es todo para una sociedad.

Un país desarrollado sólo en su economía y con una cultura débil a la larga también fracasará en lo económico y en todo lo demás, por falta de innovación, por falta empuje moral.  Y viceversa, desarrollar la cultura requiere de muchos recursos económicos y esfuerzos morales, entonces sólo podrá hacerlo un país con una economía fuerte, y con una población decidida y desarrollada, una población militante de la cultura , es decir que disponga y decida tener tranquilidad y tiempo para pensar, para desarrollar su inteligencia, su humanidad. El gran arte es un logro grupal. no lo hará sólo el artista ni será sólo para el coleccionista, lo ideal es que sea para toda la sociedad, la civilización será un logro de todos. Es por todo esto que hoy en día se puede decir que en las Naciones donde los Estados andan bien el principal mecenas siempre es Estado.

Hoy podemos ver las más grandes colecciones de arte en los lugares que estos mecenas particulares o  Estados mecenas   eligieron para que por generaciones puedan ser admiradas y re elaboradas con nuevas obras y nuevas miradas.

En tiempos de paz y no tanto, reyes y grandes señores pasaron a la inmortalidad de la historia, siempre más por estas nobles apoyos , que por sus aciertos empresariales o políticos circunstanciales.

Apoyar al Arte es  una empresa a largo plazo y para siempre, como las antiguas catedrales construir la civilización es un esfuerzo de muchas generaciones, un noble intento de la humanidad .

Fútbol y Arte. Nota en la Revista El Gráfico

febrero 19, 2017

Nota “Fútbol y Arte”, del Revista El Gráfico, de Buenos Aires escrita por Alejandro Duchini.

Aquí el periodista escribe sobre el arte y los artistas que ilustraron e  ilustran este deporte en general, luego me presenta como artista que sigue esta temática, muestra obras de mi serie Fútbol y cosas que pienso sobre el arte, y mis intenciones al hacer las pinturas futboleras.

La nota aparece en el número de febrero 2017 (Edición 4478).

Extracto de la nota:

Artista plástico, escultor y pintor argentino, Diego Manuel Rodríguez ilustró playas, ciudades, escenas románticas y artistas populares como Mick Jagger, el Che Guevara, Gustavo Ceratti, Evita, Charly García, Andrés Calamaro y, sobre todo, Lionel Messi y Diego Maradona. De origen platense, refleja una obra variada a través de Gimnasia y Esgrima La Plata, Estudiantes, River, Boca, barras y partidos clásicos. “El fútbol y lo que genera tienen todo lo necesario para ser un género artístico”, le dice a El Gráfico. Y justifica: “Para mí, el fútbol está ligado a bellos recuerdos de mi niñez, cuando mi padre me llevaba a la vieja cancha de tablones de Gimnasia. Verlo feliz, rodeado de amigos en esa tribuna escarpada, de grandes vacíos entre tablón y tablón… y a otros recuerdos intensos, como cuando Diego le ganó a los ingleses con la Mano de Dios. De alguna forma uso estos recuerdos tan emotivos como material para mis pinturas”. Su primer trabajo fue un Boca-River, que se lo vendió a un coleccionista de Miami. Desde entonces, no paró. Hace un año que trabaja con una ilustración de la hinchada de Independiente. A esta altura, cuenta, ya se define como “hincha del fútbol” más que de un equipo en particular. Aunque lleva en el alma la camiseta de la Selección. En cuanto a ídolos, Maradona y Messi están primeros. Por eso los refleja tan seguido. Aún le sorprende la  reacción de la gente ante sus trabajos: “Lo más interesante es ver las miradas, las caras de asombro, las risas, cómo se movilizan algunos ante las pinturas. Y se me produce un gran movimiento interno cuando alguien del público elije una obra, ya sea para comentar, preguntar su precio o comprarla: en ese momento entiendo que mi mensaje llegó. Me da mucha curiosidad algo que nunca voy a saber en realidad: ¿qué provocó en esa persona determinada imagen?, ¿qué entendió?, ¿qué vio en ella? ¿Vio y sintió lo mismo que yo?”. Sobre los prejuicios arte-fútbol considera que “se puede escribir una buena historia que transcurra en una lejana playa de Estados Unidos e igualmente el escenario puede ser la tribuna de La Bombonera. Se puede ser igualmente innovador o profundo. Quizás lo esencial en el arte sea lo que no vemos en primer plano o en una primera mirada. Pintar o esculpir sobre los deportes o realizar figuras y retratos de deportistas es uno de los géneros artísticos más antiguos: ya en la pintura rupestre se pintaban cacerías; y hasta las esculturas de atletas eran muy comunes en la antigua Grecia”. “Maradona, para el mundo del fútbol, es algo así como un semidiós. Lo mismo para Messi. Que por suerte está en plenitud. Tenemos que darnos cuenta de una vez por todas lo favorecidos que hemos sido en la historia de este deporte al tener estos inmensos jugadores vistiendo nuestra bandera. Lo que darían los otros hinchas del fútbol mundial por sentir eso, más allá de que se gane o se pierda. Messi ya es una leyenda. Ambos ya están en la memoria emotiva de millones de personas”. Lo interesante del cruce entre dos mundos tan emblemáticos como la pintura y el fútbol es que, al juntarse, dejan en claro que no son opuestos. Por el contrario, uno puede ser el puente para acercarse al otro. Y en ese cruce abundan historias y emociones que bien vale conocer.

Podemos ver la nota entera en este archivo pdf

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Imágenes de la nota:

 

 

Mainstream

enero 29, 2017

El Pop art nos mostró intuitivamente una visión de una sociedad que estaba convirtiendo definitivamente  el consumismo en nueva religión, y para peor  al arte en la división hi quality de ese consumismo.

Las ramas más progresistas del arte desde el romanticismo y quizás desde mucho antes , por lo menos desde el renacimiento, poco a poco  han intentado ser más libres de  condicionamientos políticos o religiosos,  han luchado por un arte mas democrático, también por un “arte por el arte”, es decir que el poder de decisión  sea de los artistas y del público.

Artistas y público pudieron primero contra los gremios en el renacimiento, luego contra las academias con el Romanticismo y las vanguardias. Pero pasado la mitad del siglo XX todo ese avance parece caer en saco roto, en manos del dios mercado.
El arte luego de luchar con todos sus ismos en contra de las ataduras de gremios y academias  y de luchar en contra de ser funcional a algo,  esta en peligro de ser cautivo del poder definitivo y último del dinero.

El Pop art es una mirada irónica a que todo se vuelva comestible, que todo se  convierta en una mercancía, que el conocimiento, y la inteligencia pasen a segundo término, que el envoltorio sea más importante que el contenido, y que la calidad del arte se reduzca a una cifra de venta.

Desde los años 60 para esta parte  el ascenso vertiginoso de un mercado de arte de grandes estrellas y ventas por sumas siderales, poco a poco fue corriendo de escena al debate intelectual del arte, el mensaje artístico fue perdiendo el centro de interés , y vaciándose de contenido  las obras se fueron convirtiendo en objetos suntuosos cuando  pretendían ser todo lo contrario. Así objetos que se burlaban de un arte para burgueses, se fueron convirtiendo en los grandes fetiches del arte burgués, en los objetos mas caros del planeta,  y las discusiones estéticas poco a poco le iban dar el centro de la escena a los eventos eminentemente de mercado como son las grandes subastas  de New York o Londres.

Todo esto. Todo esto pasa porque delante en la escena y como absoluto protagonista de un unipersonal hay un arte  “mainstream” que hace siglos que está resquebrajándose, pero que renace como el Ave Fénix porque necesitamos que exista, eso nos tranquiliza, o porque se nos impone, o porque es lo único que vemos.

Necesitamos o se nos hace necesitar, quizás las dos cosas juntas, ver al arte como una pirámide, donde en la punta está un arte original y novedoso, excelso,  de vanguardia y hacia abajo toda una serie de derivaciones.

Pero  el mundo es mucho más grande.

La linterna que con su luz forma esa pirámide nos obliga a ver o nos tranquiliza con solamente ver su propia luz y lo que alumbra, como si en el resto del bosque oscuro no existiera nada más.

Lo mismo pasa con la escena del arte, hay una luz de validación que es el sistema de museos, academias, mercados, galerías, ferias de arte, bienales, que alumbra solo lo que se parece a si misma y no logra ver lo demás, o no quiere ver lo demás, o no quiere que se vea lo demás, o todo eso junto.

El sentido común ( es más rígido de lo que pensamos)  que nos hace imaginar que hay un gran gremio de artistas e intelectuales del arte y la cultura que fabrica la magnífica catedral de la civilización ,  hace siglos  ya no existe o quizás nunca ha existido. Paradójicamente las ruinas que van quedando parecen representar para nosotros nuevas catedrales que luego  se desplomarán  nuevamente.
Como pasa con el que pierde un miembro y luego de años sigue sintiendo que todavía lo tiene, hay una necesidad de pensar de que existe un arte superior de artistas superiores, que está situado allí en las cátedras y los museos, cuando por lo menos en principio el arte tiene que rebotar en las cabezas de la gente , porque  sino está muerto o todavía no nació.

En contra de esta pirámide que muchos creen ver, el arte es un fenómeno horizontal, justamente porque el arte está en nuestros cerebros, somos nosotros quienes en definitiva vamos a decidir que es arte , que imágenes poéticas nos representan, cuentan nuestra historia, nuestra forma de ser más humanos, lo que sea que para nosotros sea importante.

El arte siempre fue un fenómeno global y horizontal, por ejemplo a veces parece que el  arte prehistórico  mas importante es el que más se estudió o el más difundido, y ese que está difundido es  solo un muy pequeño porcentaje del total que existió, no está mal nutrirse de ese conocimiento, de esa luz de la linterna, pero también hay que ver las cosas en la perspectiva total, y saber que hay mucho más allí afuera de lo que podemos ver con nuestra pequeña linterna.

Pintar la comida

enero 29, 2017

Los bodegones ya adornaban el interior de las tumbas del antiguo Egipto, en esas paredes estucadas pintaban objetos relacionados con la comida y la vida doméstica. Las pinturas sobre jarras de la Antigua Grecia también representan objetos de la cocina y animales, y todo lo relacionado con la vida cotidiana alrededor de la cocina. Bodegones con la descripción de una mesa servida se han encontrado en pinturas murales de la Antigua Roma y en mosaicos en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas.

Bodegones. Casa Julia Felix. Pompeya

Andy Warhol  en los años 60 pintó en las telas con técnicas de cartelería publicitaria  la lata de sopa Campbell, repeticiones de imágenes de latas de comida precocida, desarrolló  para ello deliberadamente una técnica de foto serigrafía , una técnica de uso industrial, de modo de radicalizar el sentido de algo que se hacía en forma impersonal y en forma masiva.
La repetición visual del escaparate de un supermercado, o la misma repetición que  la publicidad  necesita para convencer.

Warhol con exactitud así retrata al hombre moderno.

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Campbell’s Soup Cans, 1962 de Andy Warhol. MoMA de New York

El trabajador americano ya no tenia tiempo de cocinarse sus alimentos , y perder esa ceremonia central de cada día era un cambio espiritual muy profundo.

En las lejanías pretéritas del arte, el pintor de las Cuevas de Altamira también pintó una repetición de comida,  no de latas de sopa sino que de  búfalos.

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Cuevas de Altamira, Pintura rupestre, época paleolítica, Municipio de Santillana del Mar, Cantabria, España

Que nos tomemos horas para comer un banquete o que comamos en dos minutos un sándwich esperando el bus son imágenes más profundas de lo que pensamos.
En toda la historia del arte, la comida es siempre un tema recurrente
El miedo  y el deseo, el infierno de pasar hambre o un banquete en el paraíso, como comemos es el acto  clave de una cultura y nos describe mas de lo que creemos.
Y no es de casualidad que en cualquier gran momento de nuestra vida siempre nos preguntemos ¿y que hay de comer?

Interpretación de “El ojo”, acrílico sobre tela, 17 x 19 cm., 2002.

enero 29, 2017

Hace unos días me pidió por email una estudiante que haga una interpretación de un cuadro mio :

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“El ojo”, acrílico sobre tela, 17 x 19 cm., 2002.

Dayana es estudiante de  uno de los Colegios COAR (Colegios de Alto Rendimiento) de la Ciudad de Tacna, Perú.

Dayana: Buenas tardes soy una estudiante y necesito saber el porque realizo ese cuadro ya que voy a realizar un estudio comparativo y necesito información sobre ello. espero que me pueda ayudar.

Yo: No es facil responder porque mientras hago el cuadro  no pienso en totalidad que quiero decir con el cuadro, en general no lo planifico a ese extremo, luego cuando soy público de mi obra paso a poder interpretar más nítidamente que puede decir la obra.

Teniendo en cuenta que una obra de arte siempre tiene mil posibilidades de interpretaciones tantas como gente la ve, y todas son igualmente importantes, y no vale más lo que diga el artista que lo que diga cualquier otra persona te digo:

Creo que el ojo representa el alma, el pensamiento, el yo interno de la persona,  el ojo es dinámico, inteligente, representa también nuestro cerebro, la memoria, la vida que ya vivimos, nuestros anhelos, nuestros proyectos, nuestra imaginación, entonces es una mirada que no  tiene límites.
El banco representa la materialidad, lo estático, los límites.
Si el ojo representa al alma de una persona , el banco representa su cuerpo.
No se si te ha pasado pero no sentís a veces que somos prisioneros de nuestros propios cuerpos, que miramos a través de los ojos como un prisionero a través de la ventana de su prisión.
Somos prisioneros   de la materialidad, de la fragilidad y las pocas posibilidades que nos da la materia.
Luego vino otra pregunta por email:
Dayana: ¿cuando llegaste a pintar ese cuadro alguien te llego a influenciar? porque como se sabe todo artista tiene influencia de algún lado y quisiera saber cual fue el tuyo.
Yo: Otra pregunta dificil.
Primero te cuento la forma en que me influyen las obras que me gustan. Como te decía antes para este cuadro y también en general para los otros, no escojo en forma lógica o intencional las imágenes que voy a usar, así trato de no seguir el camino a simple vista más conveniente.
Cuando estoy creando en el taller voy acercandome en los bocetos y dibujos previos a lo que quiero, usando imágenes que son  una especie de palabras o frases visuales que están mi memoria , ya están incorporadas muy anteriormente. Como te decía antes cada vez que veo Arte lo voy metiendo en una biblioteca mental y cuando trabajo en el taller en algún momento lo voy a usar. Son verdaderas recetas de magia que los pintores y dibujantes guardamos en un libro imaginario, cuando nuestros temores de la obra inconclusa nos encierran y parecen que nos va a ganar, usamos estas recetas para escapar. Y a veces nos salvan  por milímetros  faltando un instante para renunciar y tirar todo a la basura, como pasa en las películas de Indiana Jones o de Harry Potter.
Como con otros para este cuadro primero traté de frenar el lado lógico de mi pensamiento para darle paso libre al otro lado, al más sensible, donde reina la parte inconsciente, busco cuando pinto o hago bocetos estar en un trance parecido al sueño.
Es una forma de trabajo a la manera de los surrealistas, y creo que esa corriente es la que más me influyó en general y para este cuadro en especial, y si hablamos de surrealismo, no podemos olvidarnos tampoco de kandinsky, ni de los dadaístas, ni tampoco de Picasso, ni de Dalí, ni del Pop Art, y por supuesto de la obra del Bosco, y la lista podría seguir.
 Desde el Romanticismo todas las Vanguardias del siglo 20 me influenciaron en alguna medida, pero también los artistas anteriores que fueron claves.

Volviendo al cuadro en cuestión, creo que lo que hago aquí es un poco lo que hace Dalí con sus relojes derretidos en la playa y ya antes hacía El Bosco o Arcimboldo y otros tantos artistas, le agrego algo humano a un objeto, de esa forma juego con la comparación de dos cosas que aparentemente antes no estaban  conectadas entre sí, una obra puede lograr esa magia, que a partir de ella luego tengamos en el cerebro una nueva conección entre imágenes.  Así busco en esa nueva conección  luna vibración que diga algo o que señale algo que me interesa.

El registro de la mirada

agosto 25, 2016

Duchamp el artista Dadá y del Pop art, en 1917 , según cuenta la historia toma (se apropia)  un objeto no diseñado por él , un mingitorio , algo de uso utilitario  y lo  sube a objeto de arte.

En ese momento sin duda tuvo la intención de establecer un fuerte mensaje antisistema, de  ruptura radical con las viejas bellas artes. Pero también, quizás sin darse cuenta, cruzó un límite. Subió un objeto que hasta ese momento claramente y hasta grotescamente  no podía tener ninguna asociación  poética ni artística al rango de objeto de arte, y así abrió la caja de Pandora.

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 “La Fuente” (Fountain), Marcel Duchamp, 1917. Nueva York (original perdido)

Expuso un mingitorio en el museo de Nueva York, lo tituló “La Fuente” (Fountain) y lo firmó como “R. Mutt”.

Los dadaístas  marcando un rumbo de extrema ruptura contra el arte tradicional académico, contra el mercado, contra el gusto burgués, contra la idea de la búsqueda de la “belleza” que ya veían gatada i vacía, contra el “arte burgués” , contra todo y todos , abrieron la puerta para nuevas formas de hacer arte que tomaron el centro de la escena a finales del siglo 20, el Pop art, el arte conceptual, y demás variantes  del arte postmoderno.

El grupo Dadá fue mucho  más allá de las corrientes anti académicas que surgieron desde el Romanticismo. Vieron  incorregibles a las artes visuales tradicionales , entendiendo que no se podía cambiar el rumbo del arte desde adentro , siguiendo con sus tradicionales disciplinas y  géneros que ya estaban programados para un tipo de arte establecido.

Luego algunos de los mismos  artistas dadaístas y otros  nuevos desde el Pop Art trataron  de amigarse con la historia del arte, y quizás con las necesidades del mercado de tener obra más convencional, y así volvieron de alguna manera a la pintura y la escultura, pero sumándoles la postura escéptica, burlona y de parodia dadá que también iba a ser el sello en general de todo arte postmoderno.

A la vez  nuevas experiencias conceptualistas de arte postmoderno fueron cambiando las disciplinas tradicionales por nuevas formas de arte, en vez de tomarse el trabajo de pintar o esculpir la mimesis de un objeto, presentar directamente el objeto a un público preparado, y que fuera  el registro  de ese momento la obra misma. Cambiando entonces lo que antes era un objeto artístico por un hecho artístico, que podía ser cualquier cosa,  una bailarina toda pintada de rosa bailando un segmento de algo, o lo que sea. Y como se vio después, si lo necesitaban, también volver a una convencional pintura o escultura.

Para el arte conceptual, el arte ya no es un objeto trascendente que cambia de significado según el público sino que por el contrario, el arte  existe en ese instante en que el mensaje artístico es captado por un público irrepetible, luego quedará sólo el registro de ese momento, que puede ser un texto , un manifiesto, una foto, una grabación de audio o de video.

El arte conceptual posmoderno es un acto efímero,  que se registra con documentos, prescindiendo así de milenarios lenguajes visuales. Se despoja de las formas clásicas de arte y de sus códigos desarrollados en el tiempo , y solo queda el mensaje, e intenta establecer un nuevo lenguaje visual donde las ideas prescindan absolutamente de todo barroquismo o redundancia.

Este debilitamiento de la importancia de la obra de alguna forma refuerza la figura del artista, el mismo se convierte en una celebrity a la manera de los rock stars y  pasa a tener mas visibilidad que su obra, y casi se podría decir que el mismo es su obra.

En esencia el arte conceptual posmoderno, es hacer bien visible la separación de la intención del mensaje intelectual que toda obra tiene  de la misma obra. Entonces el artista conceptual naturalmente y quizás necesariamente tiene que ser una celebridad, porque de alguna forma el mismo suplanta a la obra, Como si leonardo Da Vinci se enojara por la celebridad de la Gioconda y a los gritos intentara romper la cola que se arma en el Louvre para verla de cerca, el artista conceptual al debilitar la importancia de la obra,  le está disputando el centro del escenario a la que tendría que ser su obra.

El arte conceptual también necesita de orientar su  interpretación  con textos de apoyo, la obra en sí no importa tanto como su interpretación , que debe estar bien precisada por el artista o mejor por un teórico con poder en los lugares y medios de validación. Porque para estos artistas pragmáticos el arte de la historia del arte en realidad no existe, es solo un relato, como toda la historia, el relato de los que ganan, que será el arte de los museos de arte moderno   y las principales bienales de las grandes capitales del mundo.

Para el conceptualismo la obra puede ser sólo un hecho visual, o audiovisual efímero, y hasta es conveniente que sea efímero y desaparezca. Quizás para que sólo quede el relato de lo que pasó y lo que significará ,como pasa con las grandiosa pintura griega antigua, que es de una grandiosidad  de la que sólo quedan referencias escritas.

Ya en el nuevo siglo vemos un arte  cada vez más etéreo, mas libre de todo condicionamiento , hasta del mismo objeto de arte, quizás un arte más  de  artistas y de teóricos , curadores y comisarios de bienales, que se presentan así mismos como grandes celebridades, a la manera de los rockstars, que con sus escritos ,  eventos conferencias intentan pedagógicamente  orientar a un público  cada vez más numeroso e inmanejable.

En definitiva pone en evidencia que desde el comienzo el arte no esta en el objeto sino en la mirada, o sea en nosotros mismos. Está íntimamente conectado con la mirada del que elige qué es arte, qué fue arte, cómo fue ese arte, y también claro en lograr que quede marcada en el tiempo el registro de esa mirada.

En busca de un nuevo arte para el nuevo mundo

agosto 25, 2016

Hacia mediados del siglo 20 en EEUU como también en Argentina había corrientes de artistas que buscaban hacer un arte figurativo que representara el arte local.
La escuela realista que tenía Edward Hopper como referente, lo que se llamó la “Escena americana” buscaba nuevos géneros en las  imágenes de lo que veían,  paisajes  de los suburbios y las pequeñas ciudades del interior de EEUU, lo que aquí en nuestro país pudo ser similar el grupo de la Boca de Quinquela o de Victorica y sus escenas urbanas y del puerto de Buenos Aires.

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Noctámbulos, 1942, Edward Hopper, (Chicago, Arts Institute)

Este tipo de pintura derivaba del romanticismo  y del costumbrismo nacionalista del siglo 19 y su búsqueda de un arte nacional.
Estos pintores a la manera de la viejas escuelas realistas, como los anteriores pintores realistas de Barbizon en Francia buscaban  en la imágenes sencillas de  pequeños y pujantes pueblos del interior de los nuevos países americanos  el material para ser actuales y modernos.

Sin dudas mucho antes de querer ser vanguardistas o experimentales los artistas del Pop Art americano querían hacer algo diferente a las vanguardias que venían de Europa. Hacer un arte con las imágenes y los aromas de las calles de las grandes nuevas metrópolis  americanas, como Nueva York.

Ellos vivían en una medio artístico influenciado  por los nombres descollantes de  artistas  que venían de una Europa  que estaba de vuelta,  que  traían consigo la mística y los laureles de vivir una  “vida de artistas” en la ciudad luz , en la bohemia de la París de las vanguardias románticas.

El  mercado del arte y la escena artística de  New York   poco a poco se convertirían en los más importantes del mundo, para los artistas nativos  era muy importante ganarles la batalla a los europeos, para ello había que crear una escena artística de gran nivel y a la vez  un arte de jerarquía mundial, que no pasara por provinciano, ganarles a los modernos siendo igualmente  modernos y diferentes.

Era importantísimo  hacer un “arte americano” con imágenes americanas como lo intentaron pintores como Hopper , y a la vez un arte que fuera permeable a las ideas de afuera, crear una escena y un mercado americano para los artistas americanos también en el nuevo arte experimental de  vanguardia y postvanguardia.

El arte pop de  artistas  ingleses que hacían un collage irónico o paródico de «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico claramente hacía referencia a la cultura estadounidense.
Estos artistas al otro lado del océano como antes los dadaístas recreaban irónicamente una estética baja o kitsch, usaron elementos claramente rechazados por el arte académico y  lo subieron al estrado del arte.
Todas estas variaciones de Ready-Made son típicas del arte posmoderno, esta mecánica hoy en día de tan usada  parece algo de uso  normal, hacer esto es casi  un género en si mismo. Artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg,  Roy Lichtenstein, Andy Warhol  encontraron entonces cómo hacer a la vez arte con imágenes incuestionablemente americanas como la Coca Cola y a la vez hacer algo validado por un desarrollo artístico milenario como el europeo.

Dos blancos con u solo tiro, con el tiempo su  éxito fue rotundo e inimaginable, sin dudas el arte figurativo que el mercado ascendente y pujante de EEUU necesitaba.

Influencia

junio 5, 2016

Un artista es importante por como su obra influye en los demás, en las otras obras, en la imagen de una época. No solo en el arte y los otros artistas, también en la imágenes que serán de alguna forma trascendentes  para la sociedad,  sus ideas visuales influirán entonces en las imágenes de la  publicidad, en la forma de vestirse, en el diseño, y en muchos campos que son intrínsecos de la cultura.

Como un científico que con  sus investigaciones  en la  ciencia básica descubre cosas que  mucho o poco después serán aplicadas, el artista lo mismo es un investigador en el campo de los lenguajes visuales.

Un artista es un desarrollador de un alto lenguaje que será un registro cultural de una época. La sociedad usará ese desarrollo para transmitir ideas visuales de todo tipo, y para muchos usos no necesariamente  puramente artísticos

Pero además de desarrollar modos de comunicación e imágenes que dicen más que mil palabras, el artista  más que nada sabrá elegir que temas son los que importan y que decir sobre esos temas.

Siempre fue así pero mucho más desde el romanticismo y las vanguardias cuando el arte y los artistas intentaron ser más libres,  el arte verdadero es el que influye, no a cinco personas de un jurado, sino a toda una forma de ver, de su tiempo y el que vendrá.

El artista que busca decir cosas , que opina con lo que hace,  estará íntimamente conectado con su época, con la sociedad a la que pertenece, tratará de contar lo que le pasa a esa sociedad, en definitiva buscará hacer una arte que descubra  profundas necesidades espirituales de su sociedad , se verá en sus imágenes lo que esa sociedad tiene  de bueno y lo que le falta, sus aciertos y  errores más grandes.

El arte podrá ser para la  glorificación de un Estado como las obras de Fidias en la  Atenas de Pericles, podrá ser la descripción de una forma de vivir de la gente sencilla del pueblo como pintaba Van Gogh señalando así hacia donde tenía que mirar la nueva sociedad europea que se estaba transformando vertiginosamente,  podrá presentir  un peligro inminente  como lo hicieron los expresionistas alemanes en sus obras, o describir y criticar  como los nuevos medios masivos inciden peligrosamente sobre nuestros gustos y nuestras elecciones,  como lo hicieron en su momento los artistas del Pop Art.