Archive for 25 agosto 2016

El registro de la mirada

agosto 25, 2016

Duchamp el artista Dadá y del Pop art, en 1917 , según cuenta la historia toma (se apropia)  un objeto no diseñado por él , un mingitorio , algo de uso utilitario  y lo  sube a objeto de arte.

En ese momento sin duda tuvo la intención de establecer un fuerte mensaje antisistema, de  ruptura radical con las viejas bellas artes. Pero también, quizás sin darse cuenta, cruzó un límite. Subió un objeto que hasta ese momento claramente y hasta grotescamente  no podía tener ninguna asociación  poética ni artística al rango de objeto de arte, y así abrió la caja de Pandora.

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 “La Fuente” (Fountain), Marcel Duchamp, 1917. Nueva York (original perdido)

Expuso un mingitorio en el museo de Nueva York, lo tituló “La Fuente” (Fountain) y lo firmó como “R. Mutt”.

Los dadaístas  marcando un rumbo de extrema ruptura contra el arte tradicional académico, contra el mercado, contra el gusto burgués, contra la idea de la búsqueda de la “belleza” que ya veían gatada i vacía, contra el “arte burgués” , contra todo y todos , abrieron la puerta para nuevas formas de hacer arte que tomaron el centro de la escena a finales del siglo 20, el Pop art, el arte conceptual, y demás variantes  del arte postmoderno.

El grupo Dadá fue mucho  más allá de las corrientes anti académicas que surgieron desde el Romanticismo. Vieron  incorregibles a las artes visuales tradicionales , entendiendo que no se podía cambiar el rumbo del arte desde adentro , siguiendo con sus tradicionales disciplinas y  géneros que ya estaban programados para un tipo de arte establecido.

Luego algunos de los mismos  artistas dadaístas y otros  nuevos desde el Pop Art trataron  de amigarse con la historia del arte, y quizás con las necesidades del mercado de tener obra más convencional, y así volvieron de alguna manera a la pintura y la escultura, pero sumándoles la postura escéptica, burlona y de parodia dadá que también iba a ser el sello en general de todo arte postmoderno.

A la vez  nuevas experiencias conceptualistas de arte postmoderno fueron cambiando las disciplinas tradicionales por nuevas formas de arte, en vez de tomarse el trabajo de pintar o esculpir la mimesis de un objeto, presentar directamente el objeto a un público preparado, y que fuera  el registro  de ese momento la obra misma. Cambiando entonces lo que antes era un objeto artístico por un hecho artístico, que podía ser cualquier cosa,  una bailarina toda pintada de rosa bailando un segmento de algo, o lo que sea. Y como se vio después, si lo necesitaban, también volver a una convencional pintura o escultura.

Para el arte conceptual, el arte ya no es un objeto trascendente que cambia de significado según el público sino que por el contrario, el arte  existe en ese instante en que el mensaje artístico es captado por un público irrepetible, luego quedará sólo el registro de ese momento, que puede ser un texto , un manifiesto, una foto, una grabación de audio o de video.

El arte conceptual posmoderno es un acto efímero,  que se registra con documentos, prescindiendo así de milenarios lenguajes visuales. Se despoja de las formas clásicas de arte y de sus códigos desarrollados en el tiempo , y solo queda el mensaje, e intenta establecer un nuevo lenguaje visual donde las ideas prescindan absolutamente de todo barroquismo o redundancia.

Este debilitamiento de la importancia de la obra de alguna forma refuerza la figura del artista, el mismo se convierte en una celebrity a la manera de los rock stars y  pasa a tener mas visibilidad que su obra, y casi se podría decir que el mismo es su obra.

En esencia el arte conceptual posmoderno, es hacer bien visible la separación de la intención del mensaje intelectual que toda obra tiene  de la misma obra. Entonces el artista conceptual naturalmente y quizás necesariamente tiene que ser una celebridad, porque de alguna forma el mismo suplanta a la obra, Como si leonardo Da Vinci se enojara por la celebridad de la Gioconda y a los gritos intentara romper la cola que se arma en el Louvre para verla de cerca, el artista conceptual al debilitar la importancia de la obra,  le está disputando el centro del escenario a la que tendría que ser su obra.

El arte conceptual también necesita de orientar su  interpretación  con textos de apoyo, la obra en sí no importa tanto como su interpretación , que debe estar bien precisada por el artista o mejor por un teórico con poder en los lugares y medios de validación. Porque para estos artistas pragmáticos el arte de la historia del arte en realidad no existe, es solo un relato, como toda la historia, el relato de los que ganan, que será el arte de los museos de arte moderno   y las principales bienales de las grandes capitales del mundo.

Para el conceptualismo la obra puede ser sólo un hecho visual, o audiovisual efímero, y hasta es conveniente que sea efímero y desaparezca. Quizás para que sólo quede el relato de lo que pasó y lo que significará ,como pasa con las grandiosa pintura griega antigua, que es de una grandiosidad  de la que sólo quedan referencias escritas.

Ya en el nuevo siglo vemos un arte  cada vez más etéreo, mas libre de todo condicionamiento , hasta del mismo objeto de arte, quizás un arte más  de  artistas y de teóricos , curadores y comisarios de bienales, que se presentan así mismos como grandes celebridades, a la manera de los rockstars, que con sus escritos ,  eventos conferencias intentan pedagógicamente  orientar a un público  cada vez más numeroso e inmanejable.

En definitiva pone en evidencia que desde el comienzo el arte no esta en el objeto sino en la mirada, o sea en nosotros mismos. Está íntimamente conectado con la mirada del que elige qué es arte, qué fue arte, cómo fue ese arte, y también claro en lograr que quede marcada en el tiempo el registro de esa mirada.

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En busca de un nuevo arte para el nuevo mundo

agosto 25, 2016

Hacia mediados del siglo 20 en EEUU como también en Argentina había corrientes de artistas que buscaban hacer un arte figurativo que representara el arte local.
La escuela realista que tenía Edward Hopper como referente, lo que se llamó la “Escena americana” buscaba nuevos géneros en las  imágenes de lo que veían,  paisajes  de los suburbios y las pequeñas ciudades del interior de EEUU, lo que aquí en nuestro país pudo ser similar el grupo de la Boca de Quinquela o de Victorica y sus escenas urbanas y del puerto de Buenos Aires.

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Noctámbulos, 1942, Edward Hopper, (Chicago, Arts Institute)

Este tipo de pintura derivaba del romanticismo  y del costumbrismo nacionalista del siglo 19 y su búsqueda de un arte nacional.
Estos pintores a la manera de la viejas escuelas realistas, como los anteriores pintores realistas de Barbizon en Francia buscaban  en la imágenes sencillas de  pequeños y pujantes pueblos del interior de los nuevos países americanos  el material para ser actuales y modernos.

Sin dudas mucho antes de querer ser vanguardistas o experimentales los artistas del Pop Art americano querían hacer algo diferente a las vanguardias que venían de Europa. Hacer un arte con las imágenes y los aromas de las calles de las grandes nuevas metrópolis  americanas, como Nueva York.

Ellos vivían en una medio artístico influenciado  por los nombres descollantes de  artistas  que venían de una Europa  que estaba de vuelta,  que  traían consigo la mística y los laureles de vivir una  “vida de artistas” en la ciudad luz , en la bohemia de la París de las vanguardias románticas.

El  mercado del arte y la escena artística de  New York   poco a poco se convertirían en los más importantes del mundo, para los artistas nativos  era muy importante ganarles la batalla a los europeos, para ello había que crear una escena artística de gran nivel y a la vez  un arte de jerarquía mundial, que no pasara por provinciano, ganarles a los modernos siendo igualmente  modernos y diferentes.

Era importantísimo  hacer un “arte americano” con imágenes americanas como lo intentaron pintores como Hopper , y a la vez un arte que fuera permeable a las ideas de afuera, crear una escena y un mercado americano para los artistas americanos también en el nuevo arte experimental de  vanguardia y postvanguardia.

El arte pop de  artistas  ingleses que hacían un collage irónico o paródico de «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico claramente hacía referencia a la cultura estadounidense.
Estos artistas al otro lado del océano como antes los dadaístas recreaban irónicamente una estética baja o kitsch, usaron elementos claramente rechazados por el arte académico y  lo subieron al estrado del arte.
Todas estas variaciones de Ready-Made son típicas del arte posmoderno, esta mecánica hoy en día de tan usada  parece algo de uso  normal, hacer esto es casi  un género en si mismo. Artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg,  Roy Lichtenstein, Andy Warhol  encontraron entonces cómo hacer a la vez arte con imágenes incuestionablemente americanas como la Coca Cola y a la vez hacer algo validado por un desarrollo artístico milenario como el europeo.

Dos blancos con u solo tiro, con el tiempo su  éxito fue rotundo e inimaginable, sin dudas el arte figurativo que el mercado ascendente y pujante de EEUU necesitaba.